Marina Byk, artiste du Grand Pic Saint‑Loup, mêle photographie et dessin au stylo‑bille dans des œuvres sensibles et poétiques. Autodidacte en photo et passionnée par la lumière, elle sublime textures et paysages urbains. Chaque trait révèle une histoire où hasard et précision se rejoignent.
Pour commencer, peux-tu nous raconter qui tu es, en tant qu’artiste et en tant que personne ? Quel est ton parcours ?
Je suis née en Lorraine en 1973, dans une famille qui m’a transmis le goût du dessin et des activités manuelles. Après des études en arts plastiques, je me suis orientée vers la décoration d’intérieur, attirée par les matières, les objets chargés d’histoire et les harmonies de couleurs.
Autodidacte en photographie, je mêle photo et peinture pour explorer les textures et la lumière. Depuis 12 ans, je suis également intermittente du spectacle, ce qui m’a menée à découvrir le dessin au stylo à bille. À partir de mes photos, je retranscris les ambiances urbaines et les portraits avec précision et sensibilité.
Pourquoi le choix du stylo Bic ? Quels sont les défis techniques associés à cet outil ?
J’ai commencé à dessiner au stylo-bille sur les tournages, où les longues attentes m’ont poussée à croquer les décors. Encouragée par l’entourage, cela m’a donné confiance et m’a sortie de mon atelier. Je dessine principalement d’après mes photos, souvent urbaines, notamment de Marseille où j’ai vécu 7 ans.
Le stylo-bille impose des contraintes fortes : impossible de gommer, donc je fais souvent un pré-dessin au crayon pour les œuvres complexes, mais je dessine aussi en direct pour des créations plus spontanées, que j’appelle « lâcher-prise ». Il faut travailler à plat pour que l’encre coule bien, et faire attention aux bavures en avançant de gauche à droite, car je suis droitière.
Une petite anecdote que je raconte souvent lors de mes vernissages : avec le stylo-bille, on ne peut pas gommer. Un jour, sur un dessin de Marseille, j’ai fait une petite tache sur le ciel immaculé, que je voulais garder blanc, sans nuages. Finalement, j’ai transformé cette tâche en mouette, ce qui collait bien avec Marseille. Je raconte ça souvent pour faire rire, en précisant heureusement que ce n’était pas une grosse tâche, parce qu’à Marseille, il n’y a pas de condors ! Voilà, une petite astuce pour détourner une erreur.
Comment ton regard sur ton propre travail a-t-il évolué depuis tes débuts ?
Cela fait près de 12 ans que je dessine au stylo-bille, et je suis fière d’avoir réussi à dessiner en public, face à la critique. J’ai beaucoup fait évoluer ma technique, notamment en maîtrisant les nuances de gris au stylo par des gestes très légers.
Ces dernières années, je tends vers plus de lâcher-prise en inventant mes images. Bien que reconnu pour ma technique, on m’encourage à créer davantage, ce que je fais en explorant des dessins plus abstraits, plus personnels, appréciés par les puristes et les amateurs d’art plus introspectif.
Quel est votre processus de création ?
Je crée souvent à partir d’images qui m’inspirent, notamment en reproduisant des photos, comme le bokeh, ce flou d’arrière-plan très technique à maîtriser au stylo-bille, qui demande beaucoup de patience et de précision. Mes dessins au format A3 nécessitent souvent entre 70 et 90 heures de travail, avec un quadrillage précis pour respecter les perspectives complexes, particulièrement dans des représentations comme celles de Marseille.
Pour alléger cette rigueur, je pratique aussi le lâcher-prise : je dessine directement au stylo sans pré-dessin, sans chercher la ressemblance parfaite, ce qui me permet plus de liberté et d’expression. Cette méthode, que je développe depuis environ deux ans, reflète une évolution personnelle, où je passe d’un contrôle strict à plus de douceur et d’émotions. Mes dessins en lâcher-prise expriment fréquemment des sentiments profonds, comme des blessures ou des peurs, tout en portant une dimension symbolique vers l’élévation et la sagesse.
